El 25 de abril comienza el posgrado “Cuerpo y voz: una mirada integral a la expresión hablada y cantada”. El mismo consistirá de un encuentro mensual en la Facultad de Cs. Médicas de Rosario (Santa Fe 3100) los días sábados durante ocho meses y estará a cargo de la fonoaudióloga Luján Perotti y el kinesiólogo Mirko Giordano. Charlamos con Luján sobre este posgrado así como sobre la celebración de los 15 años de Agrupación Coral Ad Libitum, espacio que dirige y donde pone en práctica su mirada integral de la voz.
El reconocido compositor de
música para videojuegos ha creado un camino que puede inspirar a muchos que
buscan herramientas para expresar su talento musical de nuevas maneras.
Las manifestaciones artísticas innovadoras abren nuevos caminos al mismo tiempo que generan nuevas resistencias. Revisión de conceptos, discusiones sobre lo que es arte y lo que no lo es así como debates acerca de las maneras de plasmar la idea de un artista se entremezclan en lo que puede resultar un cocktail explosivo. Desde el urinal de Duchamp, pasando por la etapa cubista de Picasso y la "Marilyn" de Warhol hasta el surrealismo de Dali por nombrar solo algunos ejemplos, la humanidad ha sorteado estos cimbronazos hasta aceptar, incorporar y valorar lo que en su momento era impensado.
El abordaje de la voz desde lo corporal es un tema en el que la
fonoaudióloga y directora coral Luján Perotti viene trabajando desde hace tiempo. Ahora, junto con Mirko
Giordano y Angie Cámpora, organiza un taller para difundir este enfoque.
En un nuevo aniversario de la muerte de Karen Carpenter, una de las voces más expresivas y bellas de la música popular en inglés, reproducimos esta nota del año 2011.
Por Diego A. Manrique
En cada casa de ensueño, un corazón roto. In every dream home a heartache. La canción de Bryan Ferry parece imponerse como melancólico fondo de la historia de los Carpenters. Es un drama con caparazón radiante: el dúo más popular y reconfortante de los setenta, formado por Richard y Karen Carpenter, terminó bruscamente en 1983, cuando ella sucumbió ante una enfermedad entonces poco diagnosticada: la anorexia nerviosa.
La capacitación está organizada en ocho programas de
una hora de duración cada uno, cuatro de los cuales integran el módulo 1 que tendrá lugar cada quince días durante los meses de octubre y noviembre.
Adiós maestro. Autodidacta, ciudadano ilustre de la ciudad y creador del Conjunto Pro Música de Rosario, Cristián Hernández Larguía deja un enorme legado cultural.
Un clásico. El festival Cantemos la Navidad que
dirigía cada diciembre en el
Monumento se había convertido en un sello
de la ciudad.
El creador del Conjunto Pro Música de Rosario y director del Coro Estable de la ciudad, Cristián Hernández Larguía, falleció ayer a los 94 años. La salud del talentoso director musical estaba seriamente dañada desde hace varias semanas. Sus restos serán cremados hoy, las 9, en el Cementerio La Piedad.
Hernández Larguía había nacido en 1921 en el seno de una familia muy ligada a la cultura de la ciudad. Por la casa que había diseñado su padre, el arquitecto Hilarión Hernández Larguía, en San Luis 448 (considerada patrimonio cultural de Rosario), pasaron nombres como Julio Payró, Jorge Romero Brest, las hermanas Cosettini y pintores como Vanzo, Grela y Uriarte.
Tuvo una formación autodidacta y aunque no frecuentó los claustros, tomó lecciones con grandes maestros como Pau Casals, Juan José Castro y Robert Shaw.
Cada año supo congregar a miles de personas en torno al Monumento a la Bandera, donde siempre encabezó el clásico Concierto de Navidad.
En 1962 fundó el Conjunto Pro Música de Rosario, un grupo de excelencia volcado a las obras de la Edad Media, el Renacimiento y el Barroco; y diez años después creó el Instituto Pro Música.
El bar
En una entrevista concedida a La Capital en 2012, en el marco de los 145 años del Decano de la Prensa Argentina, Hernández Larguía había confesado que “su lugar en el mundo” para relajarse era el bar. Habitué del que está en la esquina de Alem y 9 de Julio, afirmó que estar allí y ver pasar a la gente lo ayudaba a relajarse.
Intimo, había destacado que se acostaba muy tarde y se levantaba al mediodía “porque a la mañana dicen que hay brujas”.
Dueño de un talento incomparable, fue declarado ciudadano ilustre de Rosario en 1985 y cuatro años más tarde le otorgaron el Premio Konex de Platino.
Sin dudarlo, había señalado que lo que más caracteriza al rosarino es el individualismo. “Todo lo que hay en Rosario está hecho por rosarinos. Todo es producto del esfuerzo individual”, había remarcado y puso como ejemplo la historia del Museo Castagnino y los teatros El Círculo y Astengo, todos reductos culturales emblemáticos que nacieron gracias a donaciones o por la inquietud de particulares que lograron zafarlos de demoliciones.
El Coro Estable de Rosario, entidad que lo tuvo como director desde 1946, logró posicionar a la ciudad como señera en el canto coral. La entidad cosechó importantes galardones y en 1981 obtuvo seis premios en el Concurso Internacional de Coros de Arezzo (Italia).
“Soy tozudo para discutir, cuando tengo una idea la defiendo a muerte, soy muy polémico”, había señalado a la hora de definirse. Y en tal sentido, en otra entrevista había remarcado que lo que lo enojaba son “los políticos”.
“Me he manifestado desde joven contra los políticos o una clase política. Lo cual no significa que no haya participado de opciones políticas”, remarcó.
Privilegiado
“La verdad, considero que he sido un privilegiado. A los 25 años me hice cargo del Coro Estable de Rosario. Entré en 1946 con muy mínimos antecedentes. Pocos jóvenes a esa edad tienen la ocasión de estar establecidos en su profesión”, le dijo a La Capital en 2011.
En los últimos días su salud se había deteriorado y ayer su corazón dijo basta. Alguna vez le preguntaron cómo le gustaría que lo recordaran. “Cuando muera me gustaría evaporarme. Venimos de la nada y vamos a la nada”, contestó. Sin dudas, el enorme legado que dejó en la ciudad lo recordará por siempre.
Algunos consideran que la popularidad le llegó un poco tarde
en la carrera. Tal vez sea así. Pero más vale tarde que nunca.
Antes de su éxito cantando a dúo con su padre, Natalie Cole
tenía una carrera que se vió complicada cuando su problema con las drogas se
hizo público en los ‘80. En su vuelta a las listas de discos más vendidos no
podemos olvidar el álbum “Everlasting”, con éxitos como “I live for your love”,
“I miss you like crazy” y “Pink Cadillac”, esta última compuesta por “The Boss”,
Bruce Springsteen. Por supuesto que no podemos dejar de mencionar uno de sus primeros éxitos, 'This will be" de los '70.
A los 41 años Cole redescubre su talento al
interpretar temas de antaño. Primero “Unforgettable” (el cual incluye el inolvidable dueto con su padre) y luego
“Take a look” la encuentran navegando por el jazz y el R&B.
Cole consiguió tener una voz reconocible, lo cual no es poco
en estos tiempos de voces dotadas que se diluyen en la oscuridad luego de un
chispazo de éxito. Lo más probable es que uno termine reconociendo a la cantante por el tema y no al revés.
Natalie Cole interpretando "A smile like yours" de la creadora de éxitos Diane Warren en el show de Jay Leno.
Su versión del clásico de Aretha Franklin con otra grande es memorable.
Hace poco se cumplió el aniversario de la partida de otra artista de excepción: Donna Summer. Para algunos la reina indiscutida de la música disco,
Summer tenía una voz privilegiada y reconocible que le permitía expresarse en
melodías sensuales o bailables. También nos dejó en sus sesenta y pico.
Como siempre, más que lamentarnos debemos estar agradecidos
de haber sido contemporáneos de estas talentosas que llenaron con su música la
banda de sonido de nuestras vidas.
Les dejo una de mis canciones favoritas interpretada por esta talentosa y su letra.
Nevada en el Sahara
Tu amor, como el vino
me sabe más dulce cada día
tu beso, divino
derrite y aleja el frio dentro
toda mi vida he esperado un amor así
y ahora que estás aquí
el romance está a un segundo de distancia
se va a quedar
Hasta que la nieve caiga en el Sahara
hasta que el sol se congele
hasta que el rojo Mojave se vuelva azul
Hasta que mis pulmones se cansen de respirar y mi corazón detenga su latido
entonces dejaré de amarte
Y en la oscuridad, cuando no haya nadie llamándote
entonces te abrazaré muy fuerte y te susurraré una y otra vez
Hasta que la nieve caiga en el Sahara
hasta que el sol se congele
hasta que el rojo Mojave se vuelva azul
cuando la música no suene más y el descreído comience a rezar
dejaré de amarte
No quiero desperdiciar un solo latido de mi corazón
a veces mis palabras son torpes
pero escucho tu amor perfectamente
y va a llevar un largo tiempo
Natalie Cole
logró esquivar el destino de ser apenas la hija del gran Nat King
Cole. Hizo una carrera que reverenció la labor de su famoso padre pero
no estuvo construida ni sustentada únicamente por los logros heredados.
Natalie, que tenía una magnífica voz y que grabó una veintena de discos,
falleció por una insuficiencia cardíaca en la noche de Año Nuevo, luego de luchar contra una Hepatitis C y de complicaciones en un reciente trasplante de riñón. Tenía 65 años.
Allá
lejos y hace tiempo, a mediados de la década del 30, cuando Nat King se
hacía conocido a fuerza de talento como pianista en el influyente
mundillo jazzístico de Chicago, un día salió de gira, llegó hasta
California y se instaló en Los Angeles. Allí, en 1950, nació Natalie, la
primera hija de su segundo matrimonio.
La niña pudo canalizar sus
inquietudes artísticas con apenas 11 años, cuando participó en la
grabación de un álbum navideño de su padre. Pero cuando tenía 15 la
muerte de Nat King hizo que su mundo adolescente se desmoronara y la
joven promesa quedara postergada casi por una década donde no faltaron
adicciones al alcohol y las drogas. A los 25 años comenzó su carrera
discográfica con el álbum Inseparable. Luego siguieron otros diez
títulos en la senda del jazz, el soul y el R&B que le dieron cierta
trascendencia en los Estados Unidos, pero recién a los 31 años logró
saltar a la fama y hacerse mundialmente conocida al publicar el CD Unforgettable, merecedor de un Grammy, con ventas superiores a las 5 millones de copias.
En 2008 publicó un disco de canciones navideñas, Caroling, Caroling: Christmas with Natalie Cole,
casi un guiño a aquella primera grabación que había realizado con su
padre, cuando todavía era una niña. En 2013 comenzó a incursionar
especialmente en el mercado hispanohablante con su primer disco en
castellano. Luego se acentuó el deterioro de su salud.
En 1994, la exitosa cantante australiana Kylie Minogue lanzó su quinto album. Una de las bandas incluía el
tema “Hazme una confidencia”.
Con una sugerente letra y un impactante video, la
canción nos lleva a un tiempo en el que la paz interior puede alcanzarse con un
simple llamado telefónico.
1-555-confide es la solución
para todos tus problemas. Cualquier estado emocional puede solucionarse
llamando a este “teléfono de la liberación”. Angustia, soledad, ansiedad: 1-555
confide. Celos, confusión, enojo: 1-555-confide.
Coloridos avisos muestran a una
simpática, sugerente y predispuesta operadora en distintos atuendos (para
distintos gustos). Variados idiomas, variadas propuestas, todo con un mismo
fin: aliviar el alma.
La tecnología que nos acerca
alienándonos es puesta en el centro de este video. Cuando es más fácil hablar
con un presidente que conseguir a un operador de alguna empresa telefónica o de
un banco, el video nos muestra que es posible alcanzar una voz amiga que todo
lo entiende.
Llame ahora para comprensión
total. Llame ahora para salvación. Llame ahora para perdón total. Llame ahora
para consuelo. Llame ya. Pero no para comprar. ¿O sí? Reminiscencias de protestantismo
y escándalos por venta de indulgencias.
Una orquestación con violines
envolventes y reminiscencias de música oriental crean la atmósfera ideal para la
angelical voz de Minogue que se desliza despreocupada entre sugerentes promesas
de alivio. El contraste entre el colorido video colorido y la música es llamativo.
El tema es considerado uno de
los mejores de la princesa del pop. Grabado como demo en solo una hora (aunque
con trabajo posterior), los autores pueden estar más que satisfechos con el
resultado. Satisfacción garantizada.
El buscador homenajea a Robert Moog en
el aniversario de su nacimiento; el instrumento electrónico marcó un
antes y un después en la música.
Google homenajea hoy a Robert Moog, creador del sintetizador. Foto: google.com
El logo de Google homenajea hoy a Robert Moog, creador del sintetizador, en el aniversario de su nacimiento.
El mini sintetizador que encabeza el buscador permite
crear múltiples de sonidos y melodías con un amplio abanico de efectos.
Además, se puede grabar, reproducir y compartir sintonías a través de
enlaces cortos o de Google +.
Quién fue Moog
Robert Arthur Moog nació el 23 de mayo de 1934 en Nueva
York. Su padre era ingeniero eléctrico y su hobby fue construir
instrumentos musicales electrónicos. También estudió piano.
A los 15 construyó un theremín y a partir de ahí se
dedicó a eso. En 1954 creó una empresa: la R.A. Moog Co., para la
fabricación y comercialización de theremines.
Moog siguió los pasos de su padre y estudió ingeniería
eléctrica en la Universidad de Columbia. Años después conoció a Herbert
Deutsch, compositor experimental, quien lo inspiró a crear el primer
sintetizador, el Moog Modular Synthesizer.
Moog murió el 21 de agosto de 2005 en Carolina del Norte, a los 71.
Leo, Kacha, Jota, Cheko y el Cordobés: Che Sudaka al completo | “Solamente en Barcelona se puede dar este encuentro”, explican sobre cómo se formó la banda
Sus integrantes son argentinos y colombianos, pero el punto de encuentro fue Barcelona y, desde hace unos años, las carreteras europeas se han convertido casi en su hogar. Nos tomamos un vaso de agua y una cerveza después de un concierto con este grupo multicultural y hablamos de música, de tocar en la calle, de la ilusión que no se pierde y del aprendizaje de lo vivido
ENTREVISTA
por Puri Lucena
16/07/10
Acaba el concierto, porque tiene que acabar, porque esto es un festival, el Solidays en París, y hay otras bandas detrás y un horario que cumplir. Pero la gente tiene ganas de más, después de más de una hora bailando al ritmo mestizo de Che Sudaka. Encontramos a Leo y Kacha, los dos hermanos argentinos del grupo, poco después de bajarse del escenario, tras haber vendido algunos discos y, claro, informarse del resultado del partido Alemania-Inglaterra, que se disputaba mientras ellos jugaban con el público. Nos traen agua, pero lo que le apetece de verdad a Kacha es una cerveza que no tarda en aparecer.
Pero, ¿cómo se encuentra un grupo de argentinos y colombianos, emigrantes sin papeles, en España y acaban montando una banda? “Solamente en Barcelona se puede dar este encuentro”, explica Leo, una de las guitarras y las voces del grupo. “En la calle se encuentra mucha gente, en el Barrio Gótico, tocando y viviendo y siguiendo la ruta”. Así es como nace este grupo que ya tiene cuatro discos, el último, Tudo é Possible (2009). “Todos habíamos hecho algo en nuestro lugar de origen, siempre con el concepto de letra popular”.
Las cosas han cambiado desde aquellos días de 2002. La calle ha dejado paso a los escenarios, aunque como advierten, el espíritu no cambia. “En la calle juega el factor sorpresa, en los festivales sabes lo que tienes que hacer, pero nunca vamos a perder la energía que aprendimos en aquellos días. No todo es lo que parece y a veces en la calle te lo pasas mejor que en un festival y viceversa: en la calle tienes la preocupación de que llegue la policía y te saque los instrumentos, como pasa ahora en Barcelona. En un escenario tocas tranquilo, no tienes que intentar ganarte el dinero de la gente”.
La calle como escenario
Tocamos un tema que preocupa a los músicos y que no sólo ocurre en la ciudad española que los acogió. Y es que cada vez es más difícil tocar en la vía pública, “el único trabajo que podíamos hacer cuando llegamos, porque no teníamos dinero ni papeles y es lo único que sabemos hacer”, señala Leo. Fue así como un día, en plena actuación, alguien se les acercó y les preguntó si querían grabar un disco, para lo que invirtieron un año y medio “porque no había apuro”. De repente, parecía que las cosas no eran tan difíciles. “Yo me pasé varios años en Argentina con mi banda intentando grabar y no teníamos los medios. Y aquí viene alguien que te ve en la calle y te pregunta si quieres grabar. ¡Todo lo que tenía que hacer era salirme a la calle! ¡Eso era todo”, advierte entre risas. “¡Y cambiar de país!”, continúa bromeando su hermano Kacha, vocalista al mando además del megáfono.
Kacha además advierte que “la calle no es igual en todas partes”. “En Argentina, por lo menos en Mar de Plata, escuchabas los comentarios de la gente, por lo general mayor, de que éramos unos vagos, sucios, hippies… y uno se acostumbra a eso. En cambio al llegar a Barcelona, la gente nos aplaudía, nos daba monedas, se podía vivir de tocar en la calle y te respetan como músico”.
Pero parece que eso era antes. “Hoy en día ya no se puede tocar en la calle sin un permiso que te dan y el que no lo tiene es visto como un delincuente. Si no tienes el papel, te puedes ir preso por tocar una guitarra y eso es bastante injusto y está pasando en Barcelona, la ciudad de la que nosotros nos enamoramos. Será porque los artistas y los músicos en general son las personas que ya nacen libres y no saben vivir de otra forma. Y, por lo visto, los gobiernos no quieren gente libre y cada vez ponen más trabas a los artistas. Barcelona era lo que era y, lamentablemente, ya no lo es más; pero quedará Berlín, Zúrich o Londres”, comenta Kacha, con un buen conocimiento de causa, ya que la banda se ha recorrido en los últimos años Europa de concierto en concierto, con petición de visado incluido para cada lugar para los integrantes colombianos (para los argentinos no es necesario), ya que solo el teclista, Cheko, tiene la nacionalidad española y eso desde hace poco.
El último disco de Che Sudaka se llama Tudo é Possible: “Porque más allá de la política, somos seres humanos y pasa que los seres humanos toman poder sobre otros seres humanos. Así que, ¿de quién depende el mundo? De un ser humano igual que vos, pero te hacen creer que no. La política es una etiqueta más, como la música o el periodismo”, señala Kacha.
Tenemos que ir terminando la charla porque, recordemos, esto es un festival y hay más entrevistas. Además, Argentina juega en unas horas (es el Mundial). Así que aquí no vamos despidiendo. “Al final, esto es pan y circo. Los gobiernos necesitan pan y circo y que la gente se distraiga, lamentablemente, eso es así. Y en el circo, nosotros somos un poco payasos traviesos”, comenta Kacha a modo de conclusión. Pues eso, hasta la próxima travesura.
Che Sudaka se encuentra en plena gira europea que le llevará por Francia, España, República Checa, Rumanía o Bélgica. Consulta las fechas y lugares. El disco está, además, disponible para su descarga gratuita y legal.
Aurora es una ópera nacional argentina de Héctor Panizza. Fue la primera ópera estrenada en la temporada inaugural del Teatro Colón (Buenos Aires).
El aria principal originó la "Canción a la bandera"("Alta en el cielo"), que se conoce con el mismo título de modo independiente a la ópera completa y la cual es una de las canciones oficiales del Estado Argentino.
Historia
La ópera fue compuesta por el músico argentino Héctor Panizza (1875-1967), formado en el conservatorio Giuseppe Verdi de Milán, director de orquesta y autor de varias obras del repertorio lírico. En septiembre de 1908 se estrenó, coincidiendo con la inauguración del edificio del actual Teatro Colón de Buenos Aires. Es una pieza creada para exaltar los ideales patrióticos en vísperas de la celebración del Centenario.
Marilyn Horne canta “Mon cœur s'ouvre à ta voix” (Mi corazón se abre a tu voz), un aria clásica para mezzosoprano de la ópera “Sansón y Dalila” de Camille Saint Saëns estrenada el 2 de Diciembre de 1877. La misma se basa en la historia bíblica de Sansón y Dalila, la cual puede encontrarse en el capítulo 16 del Libro de los Jueces en el Viejo Testamento. Es la única ópera de Saint Saëns que se representa con asiduidad. “Mon cœur s'ouvre à ta voix” es una de las dos arias más conocidas de Dalila, y muy popular en el repertorio de mezzosopranos y contraltos.
“Mon cœur s'ouvre à ta voix” es cantada por Dalila en el segundo acto cuando ella trata de seducir a Sansón para que le revele el secreto de su fuerza. En la ópera, Dalila responde a las palabras de Sansón “Dalila! Dalila! Te amo!”, las cuales él repite entre el primer y segundo verso del aria.
Mi corazón se abre a tu voz
como las flores se abren
a los besos del amanecer!
Pero, oh mi bienamado,
para secar mejor mis lágrimas,
Deja que tu voz hable otra vez!
Dime que vas a regresar
a Dalila para siempre!
Repite a mi ternura
las promesas de los viejos tiempos.
esas promesas que yo adoré
Ah! responde a mi ternura!
Lléname con éxtasis
Así como uno ve las hojas
de trigo que ondulan
en el viento leve,
Así se estremece mi corazón
Listo para ser consolado,
por tu voz que es tan querida para mí!
La flecha es menos rápida
en traer la muerte,
que tu amante
en volar a tus brazos!
Ah! responde a mi ternura
Lléname con éxtasis!
Los australianos de Men at Work se habrían inspirado en una popular canción folk a la hora de escribir su conocido tema "Down Under"
Un tribunal de justicia de Sydney falló que el mítico tema "Down Under", de la banda australiana Men at Work, plagia parcialmente una popular canción folk escrita en 1934.
El magistrado del Tribunal Federal declaró que "hay un suficiente grado de similitudes objetivas entre 'Kookaburra' y 'Down Under' como para pensar que se ha reproducido una parte".
"Kookaburra Sits in the Old Gum Tree" fue escrita por la profesora Marion Sinclair hace 76 años.
"Down Under" copó las listas discográficas de Australia, Estados Unidos y Reino Unido, y se ha convertido en una especie de himno nacional para los australianos, hasta tal punto que fue elegida para cerrar la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Sídney, en 2000.
El juez ordenó a ambas partes que negociasen la cuantía de la compensación, que decidiesen si también debían pagar, además de las discográficas, Colin Hay y Ron Strykert, de Men at Work, y presentarse de nuevo en el juzgado el 25 de febrero próximo con lo acordado.
La compañía demandante, Larrikin Music, calculó que la indemnización económica oscilará entre el 40 y 60 por ciento de los beneficios que obtuvieron Sony BMG Music Entertainment y EMI Songs Australia.
Colin Hay y el guitarrista Ron Strykert se conocieron en 1978 y decidieron montar un dúo acústico para tocar en Melbourne, al que pronto se unió el batería Jerry Speiser.
A mediados de 1979, el teclista Greg Sneddon pasa unos meses con la banda pero no queda convencido y le sustituye Greg Ham.
Ya solo quedaba la incorporación del bajista John Rees para que naciera Men at Work y la edición de su primer LP: "Keypunch Operator", que en la cara B ofrecía una primera versión de "Down Under".
En 1982 salió al mercado "Business us Usual", que barrió en Australia, Estados Unidos y Reino Unido, y en 1983, "Cargo", y un Grammy a la Mejor Actuación Nueva.
Speiser y Rees abandonan el grupo, anunciando la disolución de Men at Work, por no antes de que Hay, Strykert y Ham grabasen un último álbum, "Two Hearts" (1985).
