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jueves, 21 de abril de 2022

Nobuo Uematsu: encontrando el camino para expresar la música

El reconocido compositor de música para videojuegos ha creado un camino que puede inspirar a muchos que buscan herramientas para expresar su talento musical de nuevas maneras.


Por Claudio Pairoba*

Las manifestaciones artísticas innovadoras abren nuevos caminos al mismo tiempo que generan nuevas resistencias. Revisión de conceptos, discusiones sobre lo que es arte y lo que no lo es así como debates acerca de las maneras de plasmar la idea de un artista se entremezclan en lo que puede resultar un cocktail explosivo. Desde el urinal de Duchamp, pasando por la etapa cubista de Picasso y la "Marilyn" de Warhol hasta el surrealismo de Dali por nombrar solo algunos ejemplos, la humanidad ha sorteado estos cimbronazos hasta aceptar, incorporar y valorar lo que en su momento era impensado.

domingo, 13 de marzo de 2022

"El cantante: una visión integral": taller sobre voz y cuerpo.

A cargo de profesionales rosarinos los días 19 de marzo y 23 de abril.


El abordaje de la voz desde lo corporal es un tema en el que la fonoaudióloga  y directora coral Luján Perotti viene trabajando desde hace tiempo. Ahora, junto con Mirko Giordano y Angie Cámpora, organiza un taller para difundir este enfoque.

jueves, 4 de febrero de 2021

La balada más triste de los Carpenters

En un nuevo aniversario de la muerte de Karen Carpenter, una de las voces más expresivas y bellas de la música popular en inglés, reproducimos esta nota del año 2011. 

Por Diego A. Manrique

En cada casa de ensueño, un corazón roto. In every dream home a heartache. La canción de Bryan Ferry parece imponerse como melancólico fondo de la historia de los Carpenters. Es un drama con caparazón radiante: el dúo más popular y reconfortante de los setenta, formado por Richard y Karen Carpenter, terminó bruscamente en 1983, cuando ella sucumbió ante una enfermedad entonces poco diagnosticada: la anorexia nerviosa.

lunes, 14 de septiembre de 2020

“Vamos a cantar”: capacitación para dirigir coros infantiles

La inscripción es entre el 14 y el 30 de septiembre. Las clases se desarrollarán entre octubre y noviembre.


Por Claudio Pairoba

Organizado por la Asociación de Directores Corales deSanta Fe (ADICOFE), el Ministerio de Cultura de la provincia y la UniversidadTecnológica Nacional regional Santa Fe se dictará el curso “Vamos a cantar: iniciación a la actividad coral infantil”. La inscripción se realiza entre los días 14 y 30 de septiembre, y estará a cargo de la profesora Marisa Anselmo y la fonoaudióloga Lujan Perotti, ambas directoras de coro.

La capacitación está organizada en ocho programas de una hora de duración cada uno, cuatro de los cuales integran el módulo 1 que tendrá lugar cada quince días durante los meses de octubre y noviembre.

jueves, 11 de febrero de 2016

A los 94 años murió el talentoso Cristián Hernández Larguía

Adiós maestro. Autodidacta, ciudadano ilustre de la ciudad y creador del Conjunto Pro Música de Rosario, Cristián Hernández Larguía deja un enorme legado cultural. 

Un clásico. El festival Cantemos la Navidad que dirigía cada diciembre en el
Monumento se había convertido en un sello de la ciudad.

El creador del Conjunto Pro Música de Rosario y director del Coro Estable de la ciudad, Cristián Hernández Larguía, falleció ayer a los 94 años. La salud del talentoso director musical estaba seriamente dañada desde hace varias semanas. Sus restos serán cremados hoy, las 9, en el Cementerio La Piedad. 

Hernández Larguía había nacido en 1921 en el seno de una familia muy ligada a la cultura de la ciudad. Por la casa que había diseñado su padre, el arquitecto Hilarión Hernández Larguía, en San Luis 448 (considerada patrimonio cultural de Rosario), pasaron nombres como Julio Payró, Jorge Romero Brest, las hermanas Cosettini y pintores como Vanzo, Grela y Uriarte. Tuvo una formación autodidacta y aunque no frecuentó los claustros, tomó lecciones con grandes maestros como Pau Casals, Juan José Castro y Robert Shaw.

Cada año supo congregar a miles de personas en torno al Monumento a la Bandera, donde siempre encabezó el clásico Concierto de Navidad. En 1962 fundó el Conjunto Pro Música de Rosario, un grupo de excelencia volcado a las obras de la Edad Media, el Renacimiento y el Barroco; y diez años después creó el Instituto Pro Música.

El bar
En una entrevista concedida a La Capital en 2012, en el marco de los 145 años del Decano de la Prensa Argentina, Hernández Larguía había confesado que “su lugar en el mundo” para relajarse era el bar. Habitué del que está en la esquina de Alem y 9 de Julio, afirmó que estar allí y ver pasar a la gente lo ayudaba a relajarse. Intimo, había destacado que se acostaba muy tarde y se levantaba al mediodía “porque a la mañana dicen que hay brujas”.

Dueño de un talento incomparable, fue declarado ciudadano ilustre de Rosario en 1985 y cuatro años más tarde le otorgaron el Premio Konex de Platino. Sin dudarlo, había señalado que lo que más caracteriza al rosarino es el individualismo. “Todo lo que hay en Rosario está hecho por rosarinos. Todo es producto del esfuerzo individual”, había remarcado y puso como ejemplo la historia del Museo Castagnino y los teatros El Círculo y Astengo, todos reductos culturales emblemáticos que nacieron gracias a donaciones o por la inquietud de particulares que lograron zafarlos de demoliciones.

El Coro Estable de Rosario, entidad que lo tuvo como director desde 1946, logró posicionar a la ciudad como señera en el canto coral. La entidad cosechó importantes galardones y en 1981 obtuvo seis premios en el Concurso Internacional de Coros de Arezzo (Italia). 

 “Soy tozudo para discutir, cuando tengo una idea la defiendo a muerte, soy muy polémico”, había señalado a la hora de definirse. Y en tal sentido, en otra entrevista había remarcado que lo que lo enojaba son “los políticos”. “Me he manifestado desde joven contra los políticos o una clase política. Lo cual no significa que no haya participado de opciones políticas”, remarcó.

Privilegiado
“La verdad, considero que he sido un privilegiado. A los 25 años me hice cargo del Coro Estable de Rosario. Entré en 1946 con muy mínimos antecedentes. Pocos jóvenes a esa edad tienen la ocasión de estar establecidos en su profesión”, le dijo a La Capital en 2011.

En los últimos días su salud se había deteriorado y ayer su corazón dijo basta. Alguna vez le preguntaron cómo le gustaría que lo recordaran. “Cuando muera me gustaría evaporarme. Venimos de la nada y vamos a la nada”, contestó. Sin dudas, el enorme legado que dejó en la ciudad lo recordará por siempre.


Fuente
www.lacapital.com.ar

martes, 5 de enero de 2016

Se nos fue Natalia

Llegó a destacarse a pesar de ser “la hija de”. Otra talentosa que nos deja temprano.




Por Claudio Pairoba

Algunos consideran que la popularidad le llegó un poco tarde en la carrera. Tal vez sea así. Pero más vale tarde que nunca.

Antes de su éxito cantando a dúo con su padre, Natalie Cole tenía una carrera que se vió complicada cuando su problema con las drogas se hizo público en los ‘80. En su vuelta a las listas de discos más vendidos no podemos olvidar el álbum “Everlasting”, con éxitos como “I live for your love”, “I miss you like crazy” y “Pink Cadillac”, esta última compuesta por “The Boss”, Bruce Springsteen. Por supuesto que no podemos dejar de mencionar uno de sus primeros éxitos, 'This will be" de los '70.

A los 41 años Cole redescubre su talento al interpretar temas de antaño. Primero “Unforgettable” (el cual incluye el inolvidable dueto con su padre) y luego “Take a look” la encuentran navegando por el jazz y el R&B.

Cole consiguió tener una voz reconocible, lo cual no es poco en estos tiempos de voces dotadas que se diluyen en la oscuridad luego de un chispazo de éxito. Lo más probable es que uno termine reconociendo a la cantante por el tema y no al revés.

Natalie Cole interpretando "A smile like yours" de la creadora de éxitos Diane Warren en el show de Jay Leno.

Su versión del clásico de Aretha Franklin con otra grande es memorable. 

Hace poco se cumplió el aniversario de la partida de otra artista de excepción: Donna Summer. Para algunos la reina indiscutida de la música disco, Summer tenía una voz privilegiada y reconocible que le permitía expresarse en melodías sensuales o bailables. También nos dejó en sus sesenta y pico.

Como siempre, más que lamentarnos debemos estar agradecidos de haber sido contemporáneos de estas talentosas que llenaron con su música la banda de sonido de nuestras vidas.

Les dejo una de mis canciones favoritas interpretada por esta talentosa y su letra.




Nevada en el Sahara
Tu amor, como el vino
me sabe más dulce cada día
tu beso, divino
derrite y aleja el frio dentro
toda mi vida he esperado un amor así
y ahora que estás aquí
el romance está a un segundo de distancia
se va a quedar

Hasta que la nieve caiga en el Sahara
hasta que el sol se congele
hasta que el rojo Mojave se vuelva azul
Hasta que mis pulmones se cansen de respirar y mi corazón detenga su latido
entonces dejaré de amarte

Y en la oscuridad, cuando no haya nadie llamándote
entonces te abrazaré muy fuerte y te susurraré una y otra vez

Hasta que la nieve caiga en el Sahara
hasta que el sol se congele
hasta que el rojo Mojave se vuelva azul
cuando la música no suene más y el descreído comience a rezar
dejaré de amarte

No quiero desperdiciar un solo latido de mi corazón
a veces mis palabras son torpes
pero escucho tu amor perfectamente
y va a llevar un largo tiempo



domingo, 3 de enero de 2016

El adiós a Natalie Cole: por qué fue más que la hija de Nat King Cole

La hija de Nate King Cole falleció por complicaciones en su trasplante de rinón.


LA NACION
Viernes 01 de enero de 201

Natalie Cole logró esquivar el destino de ser apenas la hija del gran Nat King Cole. Hizo una carrera que reverenció la labor de su famoso padre pero no estuvo construida ni sustentada únicamente por los logros heredados. Natalie, que tenía una magnífica voz y que grabó una veintena de discos, falleció por una insuficiencia cardíaca en la noche de Año Nuevo, luego de luchar contra una Hepatitis C y de complicaciones en un reciente trasplante de riñón. Tenía 65 años.

Allá lejos y hace tiempo, a mediados de la década del 30, cuando Nat King se hacía conocido a fuerza de talento como pianista en el influyente mundillo jazzístico de Chicago, un día salió de gira, llegó hasta California y se instaló en Los Angeles. Allí, en 1950, nació Natalie, la primera hija de su segundo matrimonio.

La niña pudo canalizar sus inquietudes artísticas con apenas 11 años, cuando participó en la grabación de un álbum navideño de su padre. Pero cuando tenía 15 la muerte de Nat King hizo que su mundo adolescente se desmoronara y la joven promesa quedara postergada casi por una década donde no faltaron adicciones al alcohol y las drogas. A los 25 años comenzó su carrera discográfica con el álbum Inseparable. Luego siguieron otros diez títulos en la senda del jazz, el soul y el R&B que le dieron cierta trascendencia en los Estados Unidos, pero recién a los 31 años logró saltar a la fama y hacerse mundialmente conocida al publicar el CD Unforgettable, merecedor de un Grammy, con ventas superiores a las 5 millones de copias.
Su talento para los duetos también quedó retratado en programas televisivos de Frank Sinatra, grabaciones con Tony Bennett o reuniones con Whinet Houston.

En 2008 publicó un disco de canciones navideñas, Caroling, Caroling: Christmas with Natalie Cole, casi un guiño a aquella primera grabación que había realizado con su padre, cuando todavía era una niña. En 2013 comenzó a incursionar especialmente en el mercado hispanohablante con su primer disco en castellano. Luego se acentuó el deterioro de su salud.

Fuente

 

miércoles, 17 de junio de 2015

Una voz amiga.

En 1994, la exitosa cantante australiana Kylie Minogue lanzó su quinto album. Una de las bandas incluía el tema “Hazme una confidencia”.




Con una sugerente letra y un impactante video, la canción nos lleva a un tiempo en el que la paz interior puede alcanzarse con un simple llamado telefónico.

1-555-confide es la solución para todos tus problemas. Cualquier estado emocional puede solucionarse llamando a este “teléfono de la liberación”. Angustia, soledad, ansiedad: 1-555 confide. Celos, confusión, enojo: 1-555-confide.

Coloridos avisos muestran a una simpática, sugerente y predispuesta operadora en distintos atuendos (para distintos gustos). Variados idiomas, variadas propuestas, todo con un mismo fin: aliviar el alma.

La tecnología que nos acerca alienándonos es puesta en el centro de este video. Cuando es más fácil hablar con un presidente que conseguir a un operador de alguna empresa telefónica o de un banco, el video nos muestra que es posible alcanzar una voz amiga que todo lo entiende.

Llame ahora para comprensión total. Llame ahora para salvación. Llame ahora para perdón total. Llame ahora para consuelo. Llame ya. Pero no para comprar. ¿O sí? Reminiscencias de protestantismo y escándalos por venta de indulgencias.

Una orquestación con violines envolventes y reminiscencias de música oriental crean la atmósfera ideal para la angelical voz de Minogue que se desliza despreocupada entre sugerentes promesas de alivio. El contraste entre el colorido video colorido y la música es llamativo.

El tema es considerado uno de los mejores de la princesa del pop. Grabado como demo en solo una hora (aunque con trabajo posterior), los autores pueden estar más que satisfechos con el resultado. Satisfacción garantizada.


Hazme una confidencia

Me paro en la distancia

Veo desde lejos

¿Debería ofrecer alguna asistencia?

¿Debería importar quién eres?



Todos sufrimos por amor

Y todos tenemos una cruz que cargar

Pero en el nombre de la comprensión ahora

Nuestros problemas deberían ser compartidos



Hazme una confidencia



Puedo guardar un secreto

Y tirar la llave

Pero a veces liberarlo

Es liberar a nuestros niños



Quédate con lo que tienes o busca otra cosa

La decisión es tuya

Acertar o errar

Lo que es mío es tuyo

miércoles, 23 de mayo de 2012

Google dedica su logo al creador del sintetizador.

El buscador homenajea a Robert Moog en el aniversario de su nacimiento; el instrumento electrónico marcó un antes y un después en la música.

 
 
Google homenajea hoy a Robert Moog, creador del sintetizador. Foto: google.com

El logo de Google homenajea hoy a Robert Moog, creador del sintetizador, en el aniversario de su nacimiento.
El mini sintetizador que encabeza el buscador permite crear múltiples de sonidos y melodías con un amplio abanico de efectos. Además, se puede grabar, reproducir y compartir sintonías a través de enlaces cortos o de Google +.

Quién fue Moog

Robert Arthur Moog nació el 23 de mayo de 1934 en Nueva York. Su padre era ingeniero eléctrico y su hobby fue construir instrumentos musicales electrónicos. También estudió piano.
A los 15 construyó un theremín y a partir de ahí se dedicó a eso. En 1954 creó una empresa: la R.A. Moog Co., para la fabricación y comercialización de theremines.
Moog siguió los pasos de su padre y estudió ingeniería eléctrica en la Universidad de Columbia. Años después conoció a Herbert Deutsch, compositor experimental, quien lo inspiró a crear el primer sintetizador, el Moog Modular Synthesizer.
Moog murió el 21 de agosto de 2005 en Carolina del Norte, a los 71.

miércoles, 21 de julio de 2010

Che Sudaka: “Los gobiernos no quieren gente libre y los artistas lo somos”


Leo, Kacha, Jota, Cheko y el Cordobés: Che Sudaka al completo | “Solamente en Barcelona se puede dar este encuentro”, explican sobre cómo se formó la banda

Sus integrantes son argentinos y colombianos, pero el punto de encuentro fue Barcelona y, desde hace unos años, las carreteras europeas se han convertido casi en su hogar. Nos tomamos un vaso de agua y una cerveza después de un concierto con este grupo multicultural y hablamos de música, de tocar en la calle, de la ilusión que no se pierde y del aprendizaje de lo vivido
ENTREVISTA
por Puri Lucena

16/07/10
Acaba el concierto, porque tiene que acabar, porque esto es un festival, el Solidays en París, y hay otras bandas detrás y un horario que cumplir. Pero la gente tiene ganas de más, después de más de una hora bailando al ritmo mestizo de Che Sudaka. Encontramos a Leo y Kacha, los dos hermanos argentinos del grupo, poco después de bajarse del escenario, tras haber vendido algunos discos y, claro, informarse del resultado del partido Alemania-Inglaterra, que se disputaba mientras ellos jugaban con el público. Nos traen agua, pero lo que le apetece de verdad a Kacha es una cerveza que no tarda en aparecer.

Pero, ¿cómo se encuentra un grupo de argentinos y colombianos, emigrantes sin papeles, en España y acaban montando una banda? “Solamente en Barcelona se puede dar este encuentro”, explica Leo, una de las guitarras y las voces del grupo. “En la calle se encuentra mucha gente, en el Barrio Gótico, tocando y viviendo y siguiendo la ruta”. Así es como nace este grupo que ya tiene cuatro discos, el último, Tudo é Possible (2009). “Todos habíamos hecho algo en nuestro lugar de origen, siempre con el concepto de letra popular”.

Las cosas han cambiado desde aquellos días de 2002. La calle ha dejado paso a los escenarios, aunque como advierten, el espíritu no cambia. “En la calle juega el factor sorpresa, en los festivales sabes lo que tienes que hacer, pero nunca vamos a perder la energía que aprendimos en aquellos días. No todo es lo que parece y a veces en la calle te lo pasas mejor que en un festival y viceversa: en la calle tienes la preocupación de que llegue la policía y te saque los instrumentos, como pasa ahora en Barcelona. En un escenario tocas tranquilo, no tienes que intentar ganarte el dinero de la gente”.

La calle como escenario
Tocamos un tema que preocupa a los músicos y que no sólo ocurre en la ciudad española que los acogió. Y es que cada vez es más difícil tocar en la vía pública, “el único trabajo que podíamos hacer cuando llegamos, porque no teníamos dinero ni papeles y es lo único que sabemos hacer”, señala Leo. Fue así como un día, en plena actuación, alguien se les acercó y les preguntó si querían grabar un disco, para lo que invirtieron un año y medio “porque no había apuro”. De repente, parecía que las cosas no eran tan difíciles. “Yo me pasé varios años en Argentina con mi banda intentando grabar y no teníamos los medios. Y aquí viene alguien que te ve en la calle y te pregunta si quieres grabar. ¡Todo lo que tenía que hacer era salirme a la calle! ¡Eso era todo”, advierte entre risas. “¡Y cambiar de país!”, continúa bromeando su hermano Kacha, vocalista al mando además del megáfono.

Kacha además advierte que “la calle no es igual en todas partes”. “En Argentina, por lo menos en Mar de Plata, escuchabas los comentarios de la gente, por lo general mayor, de que éramos unos vagos, sucios, hippies… y uno se acostumbra a eso. En cambio al llegar a Barcelona, la gente nos aplaudía, nos daba monedas, se podía vivir de tocar en la calle y te respetan como músico”.

Pero parece que eso era antes. “Hoy en día ya no se puede tocar en la calle sin un permiso que te dan y el que no lo tiene es visto como un delincuente. Si no tienes el papel, te puedes ir preso por tocar una guitarra y eso es bastante injusto y está pasando en Barcelona, la ciudad de la que nosotros nos enamoramos. Será porque los artistas y los músicos en general son las personas que ya nacen libres y no saben vivir de otra forma. Y, por lo visto, los gobiernos no quieren gente libre y cada vez ponen más trabas a los artistas. Barcelona era lo que era y, lamentablemente, ya no lo es más; pero quedará Berlín, Zúrich o Londres”, comenta Kacha, con un buen conocimiento de causa, ya que la banda se ha recorrido en los últimos años Europa de concierto en concierto, con petición de visado incluido para cada lugar para los integrantes colombianos (para los argentinos no es necesario), ya que solo el teclista, Cheko, tiene la nacionalidad española y eso desde hace poco.



El último disco de Che Sudaka se llama Tudo é Possible: “Porque más allá de la política, somos seres humanos y pasa que los seres humanos toman poder sobre otros seres humanos. Así que, ¿de quién depende el mundo? De un ser humano igual que vos, pero te hacen creer que no. La política es una etiqueta más, como la música o el periodismo”, señala Kacha.

Tenemos que ir terminando la charla porque, recordemos, esto es un festival y hay más entrevistas. Además, Argentina juega en unas horas (es el Mundial). Así que aquí no vamos despidiendo. “Al final, esto es pan y circo. Los gobiernos necesitan pan y circo y que la gente se distraiga, lamentablemente, eso es así. Y en el circo, nosotros somos un poco payasos traviesos”, comenta Kacha a modo de conclusión. Pues eso, hasta la próxima travesura.

Che Sudaka se encuentra en plena gira europea que le llevará por Francia, España, República Checa, Rumanía o Bélgica. Consulta las fechas y lugares. El disco está, además, disponible para su descarga gratuita y legal.

Fuente:
http://www.cafebabel.es/article/34410/che-sudaka-musica-mestizaje-multiculturalidad.html

lunes, 21 de junio de 2010

Aurora: sobre su origen y dos versiones poco difundidas.


Aurora es una ópera nacional argentina de Héctor Panizza. Fue la primera ópera estrenada en la temporada inaugural del Teatro Colón (Buenos Aires).




El aria principal originó la "Canción a la bandera"("Alta en el cielo"), que se conoce con el mismo título de modo independiente a la ópera completa y la cual es una de las canciones oficiales del Estado Argentino.

Historia
La ópera fue compuesta por el músico argentino Héctor Panizza (1875-1967), formado en el conservatorio Giuseppe Verdi de Milán, director de orquesta y autor de varias obras del repertorio lírico. En septiembre de 1908 se estrenó, coincidiendo con la inauguración del edificio del actual Teatro Colón de Buenos Aires. Es una pieza creada para exaltar los ideales patrióticos en vísperas de la celebración del Centenario.

El libreto de la pieza es de Luigi Illica, responsable de los textos de Tosca, Madama Butterfly y La Bohème de Puccini y de Andrea Chénier, de Umberto Giordano. Para acompañar al italiano y suministrarle la información histórica y el contexto nacional que debía dar sentido y referencia al argumento se sumó como argumentista el argentino Héctor Cipriano Quesada.
Aurora fue repuesta en el Teatro Colón en 1909, 1945, 1953, 1955, 1965, 1966, 1983 y 1999.

Tema
El título coincide con el nombre de la heroica y trágica protagonista y simultáneamente remite en forma metafórica a la alborada de la Independencia nacional, ya que la acción transcurre durante los sucesos de mayo de 1810 en la provincia de Córdoba y aparecen personajes históricos puntuales como Santiago de Liniers y Güemes. La pareja romántica era el joven patriota Mariano y la bella Aurora que es la hija del jefe de las fuerzas españolas en la ciudad mediterránea. Las tribulaciones de los amantes ocurren durante los hechos de la lucha por la Independencia. La obra tiene tres actos.

Fuente





lunes, 26 de abril de 2010

Sansón y Dalila: Marilyn Horne canta “Mon cœur s'ouvre à ta voix”

Marilyn Horne canta “Mon cœur s'ouvre à ta voix” (Mi corazón se abre a tu voz), un aria clásica para mezzosoprano de la ópera “Sansón y Dalila” de Camille Saint Saëns estrenada el 2 de Diciembre de 1877. La misma se basa en la historia bíblica de Sansón y Dalila, la cual puede encontrarse en el capítulo 16 del Libro de los Jueces en el Viejo Testamento. Es la única ópera de Saint Saëns que se representa con asiduidad. “Mon cœur s'ouvre à ta voix” es una de las dos arias más conocidas de Dalila, y muy popular en el repertorio de mezzosopranos y contraltos.



“Mon cœur s'ouvre à ta voix” es cantada por Dalila en el segundo acto cuando ella trata de seducir a Sansón para que le revele el secreto de su fuerza. En la ópera, Dalila responde a las palabras de Sansón “Dalila! Dalila! Te amo!”, las cuales él repite entre el primer y segundo verso del aria.

Mi corazón se abre a tu voz
como las flores se abren
a los besos del amanecer!
Pero, oh mi bienamado,
para secar mejor mis lágrimas,
Deja que tu voz hable otra vez!
Dime que vas a regresar
a Dalila para siempre!
Repite a mi ternura
las promesas de los viejos tiempos.
esas promesas que yo adoré
Ah! responde a mi ternura!
Lléname con éxtasis

Así como uno ve las hojas
de trigo que ondulan
en el viento leve,
Así se estremece mi corazón
Listo para ser consolado,
por tu voz que es tan querida para mí!
La flecha es menos rápida
en traer la muerte,
que tu amante
en volar a tus brazos!
Ah! responde a mi ternura
Lléname con éxtasis!

viernes, 5 de febrero de 2010

Se cae un mito: exitosa banda plagió uno de sus más grandes hits



Los australianos de Men at Work se habrían inspirado en una popular canción folk a la hora de escribir su conocido tema "Down Under"

Un tribunal de justicia de Sydney falló que el mítico tema "Down Under", de la banda australiana Men at Work, plagia parcialmente una popular canción folk escrita en 1934.

El magistrado del Tribunal Federal declaró que "hay un suficiente grado de similitudes objetivas entre 'Kookaburra' y 'Down Under' como para pensar que se ha reproducido una parte".

"Kookaburra Sits in the Old Gum Tree" fue escrita por la profesora Marion Sinclair hace 76 años.

"Down Under" copó las listas discográficas de Australia, Estados Unidos y Reino Unido, y se ha convertido en una especie de himno nacional para los australianos, hasta tal punto que fue elegida para cerrar la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Sídney, en 2000.

El juez ordenó a ambas partes que negociasen la cuantía de la compensación, que decidiesen si también debían pagar, además de las discográficas, Colin Hay y Ron Strykert, de Men at Work, y presentarse de nuevo en el juzgado el 25 de febrero próximo con lo acordado.

La compañía demandante, Larrikin Music, calculó que la indemnización económica oscilará entre el 40 y 60 por ciento de los beneficios que obtuvieron Sony BMG Music Entertainment y EMI Songs Australia.

Colin Hay y el guitarrista Ron Strykert se conocieron en 1978 y decidieron montar un dúo acústico para tocar en Melbourne, al que pronto se unió el batería Jerry Speiser.

A mediados de 1979, el teclista Greg Sneddon pasa unos meses con la banda pero no queda convencido y le sustituye Greg Ham.

Ya solo quedaba la incorporación del bajista John Rees para que naciera Men at Work y la edición de su primer LP: "Keypunch Operator", que en la cara B ofrecía una primera versión de "Down Under".

En 1982 salió al mercado "Business us Usual", que barrió en Australia, Estados Unidos y Reino Unido, y en 1983, "Cargo", y un Grammy a la Mejor Actuación Nueva.

Speiser y Rees abandonan el grupo, anunciando la disolución de Men at Work, por no antes de que Hay, Strykert y Ham grabasen un último álbum, "Two Hearts" (1985).

Fuente: EFE
http://www.rosario3.com/ocio/noticias.aspx?idNot=65385

Rutas culturales en Santa Fe: descubriendo y revalorizando pasado y presente

El trabajo de docentes-investigadores y alumnos en Santa Fe permite conocer lagunas, estancias y almacenes de ramos generales así como aspec...